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Titre original :
Art and Design in 1960s New York
Contenu du livre :
Lorsque Robert Rauschenberg se souvient que Josef Albers enseignait à ses étudiants que leur art avait à voir avec "l'ensemble du monde visuel", il suggère un domaine d'expression visuelle inclusif dans lequel Albers voulait que ses étudiants puisent. Au lieu de trouver l'inspiration uniquement dans les objets d'art, Albers les a poussés à regarder en dehors des limites de leurs studios et de leurs salles de classe, dans la rue, où ils seraient confrontés à la visualité de la culture de masse ; Albers a donc élaboré des travaux utilisant des exemples de conception typographique et d'imagerie imprimée tirés de publications populaires de l'époque. En examinant de près ces images imprimées, des artistes comme Rauschenberg ont appris non seulement que l'inspiration visuelle pouvait être trouvée dans des objets quotidiens, mais aussi que ces objets étaient le produit d'une décision esthétique, qu'ils avaient été conçus. Bien que les historiens de l'art et les critiques aient parfois été gênés par le fonctionnement visuel de l'imagerie de masse, l'engagement simultané de la culture avec le design et les objets d'art a une histoire longue et significative. Mon livre serait l'un des premiers à examiner un moment de cette histoire en explorant l'intersection critique entre l'art et le design graphique à New York entre 1959 et 1972.
Il peut sembler plus opportun d'aborder le lien entre l'art et le design par le biais de congruences formelles, mais cette stratégie peut limiter l'étude approfondie de l'influence mutuelle partagée par ces deux domaines de production. En effet, la présomption qu'il existe simplement - et uniquement - un lien visuel entre le design et l'art a guidé la plupart des travaux d'histoire de l'art qui se sont penchés sur le sujet. Cette méthodologie suppose toutefois que l'influence de l'imagerie populaire sur les beaux-arts ne s'exerce que dans un sens et que des mouvements tels que le Pop art empruntent des motifs à la culture de masse pour ensuite les "élever" au rang de grand art. Cela ne tient pas compte de l'influence que l'art pourrait avoir sur le design et les designers, une influence qui a un impact considérable sur notre monde visuel. En outre, elle sert à placer l'imagerie de masse dans une position négative et inférieure, car elle présuppose toujours la complicité du design avec l'industrie de la culture. Pourtant, je montre que le design n'est pas toujours conçu à des fins commerciales. Le design à vocation civique - celui développé pour la signalisation, le mobilier urbain et les plans de métro - n'a pas sa place dans une telle formulation, et n'a donc jamais été sérieusement inclus dans les discussions sur l'histoire de l'art, même celles qui prennent en compte le design.
Étant donné les limites d'une approche formaliste, je vais au-delà des similitudes visuelles entre l'art et le design pour découvrir les systèmes logiques partagés par les artistes et les designers, ainsi que leurs processus. Je pars du principe qu'il existe un air de famille entre le design.
Et l'art, et j'utilise donc ces ressemblances pour exposer la syntaxe qu'ils ont en commun. J'adopte donc un point de vue plus global sur le "monde visuel" du New York des années 1960 et j'examine le design et l'art côte à côte pour explorer la façon dont leur relation s'est manifestée de manière plus profonde qu'on ne l'a réalisé jusqu'à présent. L'image isolée, frontale et reproduite mécaniquement, par exemple, est commune à la campagne publicitaire de Doyle Dane Bernbach pour Volkswagen à la fin des années 1950 et à l'imagerie sérigraphique d'Andy Warhol. Le mouvement anti-panneaux publicitaires du milieu du siècle offre l'occasion d'étudier la conscience qu'avait Robert Rauschenberg de la culture visuelle qui existait en dehors de son studio new-yorkais en utilisant des panneaux de signalisation dans ses combinaisons urbaines, mais il ouvre également la voie à l'exploration du malaise que des designers tels que Peter Chermayeff et Milton Glaser éprouvaient à l'égard de la publicité extérieure. La logique qui sous-tend la mise en place de la signalisation - dans laquelle les designers suivent des piétons involontaires pour voir où les panneaux ne les mènent pas - trouve un écho dans la performance Following Piece de Vito Acconci, dans laquelle l'artiste suivait ses cibles jusqu'à ce qu'elles pénètrent dans un lieu privé.
Autres informations sur le livre :
| ISBN : | 9781785276651 |
| Auteur : | |
| Éditeur : | |
| Reliure : | Relié |
| Année de publication : | 2021 |
| Nombre de pages : | 250 |
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